Como es de público conocimiento, para esta singular producción en inglés de la banda, la primera en sus 22 años de carrera, Walter Giardino prescindió de la voz de Adrián Barilari y convocó el escocés Doggie White, reconocido cantante de rock del Reino Unido.
Editado bajo el sello Tocka Discos, Revista La Rocka recibió un ejemplar de este material, el cual hemos escuchado detenidamente para poder acercarle a nuestros lectores una breve reseña.
The Voices Of The Sea fue el elegido para abrir el tracklist de 12 temas, al estilo de las oberturas de una ópera o una obra dramática, con colchones y arpegios de bellas armonías del idóneo tecladista Hugo Bistolfi. A continuación, ese sonido decreciente se convierte, inesperadamente, en los primeros acordes furiosos de The Forgotten Kingdom, con la inconfundible velocidad de ejecución de Giardino, que explotarán para dar paso a los primeros gritos del invitado: Doggie White.
Rara combinación en un principio para todos los que estamos acostumbrados a oír al irreemplazable Barilari. De hecho, existe un abismo en los registros y tonos de ambos cantantes, pasando del sonido agudo y estridente de Adrián, al grave y apagado del escocés.
Ergo, a medida que pasan los temas, las canciones empiezan a tomar el brillo que irradiaban aquellas históricas de heavy metal clásico de mediados y fines de los ochenta, con destellos de Rainbow, Europe, Alcatrazz, por mencionar algunos.
No es necesario mirar la tapa del disco para darse cuenta que la banda que está sonando es Rata Blanca, ya que Giardino fue muy conservador a la hora de elegirle "un sonido". Una última observación: las letras dejan un poco que desear.
Valioso aporte al género en un intento de ponerlo de nuevo en circulación, pero nada nuevo. Metal con buen gusto, con las excelentes escalas de Giardino, y con la ausencia entrañable de Adrián Barilari.
Un Día en el Mundo es el título del LP debut de VETUSTA MORLA, un álbum que se ha convertido a estas alturas en uno de los discos de la temporada con mejor acogida entre el público y la crítica del pop-rock independiente español. Un trabajo nacido del empeño en ser fieles a sí mismos y hacer canciones en tiempos de incertidumbre, editado en su propio sello discográfico, Pequeño Salto Mortal, un nombre que es un resumen de lo que significa ser “independiente” más allá de los tópicos. Además de la energía, vivencias y carteles de “no hay entradas” cosechados durante los conciertos de presentación en los últimos meses, VETUSTA MORLA ha obtenido también algunas distinciones. La formación ha obtenido tres Premios de la Música que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música: Mejor Álbum de Pop Alternativo por Un Día en el Mundo, Artista Revelación y Autor Revelación por uno de los temas del disco, Copenhague. Esta misma canción, además, ha sido elegida por la audi
encia de Radio 3 (RNE) como una de las tres mejores del "indie" español de las últimas dos décadas. También Radio Nacional de España ha otorgado a vetusta morla el Premio Ojo Crítico en la categoría de Música Moderna, un prestigioso galardón que concede el programa del mismo nombre a la creación emergente. Poco antes, la formación recibió el Premio Guille de La Noche en Vivo al mejor directo de pop.
Precisamente en directo y sobre el escenario es donde se ha forjado VETUSTA MORLA, sobre la base de unas experiencias compartidas, incluso en lugares remotos como Beirut (Líbano), donde participaron en el Festival Anti-Crise, lugares como los campamentos de refugiados saharauis en Tindouf o varias ciudades de Italia. El núcleo de la formación es la complicidad, la pasión y la inmediatez de la música en vivo. En su primer álbum Un Día en el Mundo han tratado de recrear ese hechizo mágico, esa energía luminosa del directo, con un sonido premeditadamente natural, sin apenas trucos de producción y sin fuegos de artificio. Esto se ha logrado gracias a los productores del disco, Manuel Colmenero y Javibu Carretero de los estudios Sonobox en Madrid. Junto a ellos han recorrido distintos lugares durante la grabación, espacios que han ido impregnando su espíritu en el resultado final, comenzando por una antigua bodega manchega en Alameda de Cervera (Ciudad Real), rehabilitada como taller artístico por el pintor y escultor Alfredo Martínez, donde encontraron un reverberación precisa y preciosa para registrar parte del álbum. VETUSTA MORLA es una banda donde las palabras importan, “las palabras que no existen nos pueden salvar”, dice una de sus letras. Empezando por el título de su debut, Un Día en el Mundo, que sugiere que es un fotograma sacado de una historia mayor, una historia épica e
inabarcable que se intuye en las experiencias cotidianas, sin acabar de desvelarse. Y si las palabras importan, no menos las imágenes para las cuales se han aliado con el realizador Álvaro León. Con él crean material audiovisual, incluidos tres videoclips: Sálvese Quien Pueda, Un Día en el Mundo y Otro Día en el Mundo, un experimento de rodaje en tiempo real que les ha valido el galardón al Mejor Videoclip en la Semana de Cine de Medina del Campo (Valladolid). Xoel Lopez
Xoel López es uno de los artistas más representativos de la escena independiente en España. Aunque siempre se ha movido entre los sonidos del pop-rock indie y el folk de los 60, él se define como un artista libre. Y así lo demuestra, Xoel ha dejado atrás una carrera consolidada en su País bajo el seudónimo de "Deluxe" para saltar el charco y empezar una nueva etapa con su nombre. Acompañado de su guitarra (y de algunos amigos) busca recuperar la esencia de los primeros días tocando, tocando en diferentes salas, teatros y festivales con músicos de los diferentes Países que él visita. En su nueva etapa ha tocado ya en varias ocasiones en San Francisco (EEUU), Argentina, Colombia, Uruguay, Chile, Venezuela, República Dominicana, etc... Aunque se traslada definitivamente a vivir a Buenos Aires, asegura que volverá a editar discos en el futuro pero ya bajo su verdadero nombre: Xoel López. www.xoel.comwww.myspace.com/xoelopez
Nacido en La Coruña en 1977, Xoel López inicia su andadura musical desde bien jovencito en distintos grupos amateurs de su tierra, como The Riddles o Los Nuestros. No sería hasta los 17 años, con Los Covers que grabaría un primer EP, en los laureados estudios de Paco Loco en Gijón, tras el cual incluso realizarían una gira por todo el territorio español. El grupo se disuelve, y Xoel, rondando los dieciocho años, se embarca en una nueva formación: Elephant Band. Es en este grupo donde afianza su faceta como compositor. La banda toca en numerosos festivales e incluso llega a actuar en el extranjero. Es entonces que Xoel comienza a compaginar su tiempo con un proyecto junto a Félix Arias, formando el dúo Lovely Luna, en donde explora otros ritmos algo más alejados del sonido de la Elephant Band.
En 2001, Xoel decide abandonar tanto la Elephant Band y emprender su propio proyecto en solitario. Es así como nace Deluxe y con él su primer LP, “Not What You Had Thought” (Mushroom Pillow, 2001), al manto del sello novel Mushroom Pillow. Las expectativas se quedaron cortas y el disco supone un auténtico éxito. El single “I see you in London” llegaba al número doce de las listas de ventas y Deluxe, acompañado de una excelente banda de directo, da alrededor de 120 conciertos ese mismo año, algunos de ellos junto a los también debutantes Galáctica. Casi nada.
Su éxito incluso traspasa fronteras y sus canciones salen editadas en recopilatorios en países como Japón o Portugal, poniendo muy de cara el lanzamiento de su segundo LP, “If Things Were To Go Wrong” (Mushroom Pillow, 2003), con gran expectación de medios. Los resultados comerciales fueron inmejorables, convirtiéndose su single "Que no", en todo un hit imprescindible en cualquier bar moderno que se preciara. Tal es así que el disco se llega a editar en Japón. En este mismo año, quizás con la licencia que le permitía el éxito cosechado, edita el mini-LP "We Create, We Destroy" (Mushroom Pillow, 2003), de corte mucho más libre. Deluxe estaba en racha y también cosecha buenas ventas. En marzo de 2004 se reeditaba "If Things Were To Go Wrong" con temas extra pertenecientes al EP “Que no” (Mushroom Pillow, 2004) publicado ese mismo año.
Una larga gira de potentes directos acompañado de una banda de buenísimos músicos, como Fernando Pardo (Sex Museum, Los Coronas), que le llevan a actuar incluso en Las Ventas en la segunda edición del MTV Day ante 18.000 personas. La resurrección de Lovely Luna llega con un nuevo disco e incluso algunos conciertos en 2004 bajo ell nombre de "Las cosas que nadie debe ver". En marzo de 2005 llega por fin "Los Jóvenes Mueren Antes de Tiempo" (Mushroom Pillow, 2005), el que sería el primer disco cantado íntegramente en castellano, y último publicado con el sello independiente. En este trabajo Deluxe se desprende definitivamente de todo influjo britpop presente en sus anteriores entregas, virando hacia un pop más reposado. El álbum sería elegido por la revista Rolling Stone como mejor disco español del año. Deluxe se metía ya de lleno en el circuito comercial.
Entre el 8 y el 22 de noviembre de 2005, no se sabe exactamente a idea de quién, Amaral, Pereza, Quique González, Iván Ferreiro y el propio Xoel, se “encierran” en una casa en Argentina junto a otros cuantos músicos de allí que se pasarían de cuando en vez, como Super Ratones, Lisandro Aristimuño, Adicta, entre otros, con el objetivo de crear música en un proyecto con colaboración de la SGAE denominado Laboratorio Ñ. De ahí saldría “Colillas en el suelo”, tema elegido como primer single de “Fin de un Viaje Infinito” (Virgin, 2007), primer disco ya de la mano de la todopoderosa Virgin. Deluxe se vuelca cada vez más en un pop con miras comerciales, pero ello no es inconveniente para continuar tocando en algunos de los festivales independientes más prestigiosos de España, como el Contempopránea, el Sonorama o el Pulpop.
Durante la gira de presentación, Xoel citaba todos los primeros martes de cada mes a sus fans en una iniciativa llamada Una Canción al Mes, en la que ponía una canción a la venta en las principales plataformas digitales (iTunes, Pixbox, OD2) al precio de 0.99 euros, con el objetivo de en un año completar un nuevo álbum. No exactamente del todo, "Reconstrucción" (Virgin, 2008), incluye diez canciones nuevas, y cinco remezclas de temas ya publicados bajo este proyecto, acompañado de un DVD con videoclips y directos (como una interpretación del “Perlas ensangrentadas” de Dinarama, uno de sus clásicos en sus primeros conciertos), en edición limitada de 7.000 copias.
Finalmente, y tras embarcarse en una nueva aventura, esta vez junto a los miembros de National Geographic para la grabación de un documental de 6 episodios de media hora cada uno sobre El Camino de Santiago, cuya emisión mundial está prevista para el 2009, Xoel anuncia el entierro de Deluxe tras dos últimos conciertos, el primero de ellos en la Sala La Riviera de Madrid- el 29 de octubre de 2008- y el siguiente en su Coruña natal dos días después. Tras el éxito indiscutible de los últimos años, probablemente más de lo que incluso él esperaba en sus comienzos, en busca de un cambio agarró las maletas y puso rumbo hacia las Américas.
Bernard Fowler llega a Sudamérica para presentar su nuevo disco “Friends with privileges” y repasar en sus shows en vivo las canciones más conocidas de The Rolling Stones: Jumping Jack Flash, Satisfaction, Brown Sugar, Angie, Simpathy for the devil, entre otros, acompañado por una banda de excelentes músicos. Será el viernes 13 de noviembre a las 21, en Niceto Club, Niceto Vega 5510, en el barrio porteño de Palermo.
Luego de haber tenido participación en mas de 30 álbumes, en el último tiempo ha concentrado sus energías en el desarrollo de su proyecto personal.
Bernard fue uno de los pioneros de la música house, como miembro de los New York City Peech Boys. Empezó su marca de experimentación con el hit de pistas "Don't make me wait".
Mientras colaboraba con Herbie Hancock en el disco Future Shock, comenzó su larga y duradera relación con Mick Jagger participando de su disco solista "She's the boss".
A partir de allí, Bernard apareció en cada uno de los discos de The Rolling Stones, Keith Richards y Ron Wood, así como también en el disco de Jazz de Charlie Watts.
Trabajo con miembros de Pearl Jam, Deff Leppard, The Red Hot Chilli Peppers y The Neville Brothers, y grabó y participó de shows con Yoko Ono, Duran Duran, Robert Plant, Living Colour, Sly and Robbie y Bootsy Collins, entre otros. desde "Steel Wheels" en 1989 hasta "Shine a light" de 2008. También ha colaborado con sus voces en los álbumes solistas de
Las entradas están a la venta en boletería Niceto Club (Lu. a Vie. de 12 a 18 hs.) y Ticketek. (Entradas anticipadas: $90 gral y $180 VIP)
El compositor, tecladista y fundador del grupo chlleno "La Ley", Rodrigo Aboitiz, junto al músico y compositor Ignacio Redard, fundaron en 2008 una nueva propuesta musical con matices del pop oscuro de los años 80. El próximo 17 de noviembre a las 19,30 presentarán su primer disco, que lleva el nombre de la banda, grabado este año en Santiago de Chile y Buenos Aires, en el Roxy Live Bar, Niceto Vega al 5.500.
The Plugin es una banda de synthpop, formada en 2008 por Rodrigo Aboitiz (compositor, tecladista, fundador de La Ley y ganador de Premios MTV, Grammy Latino y Grammy por mejor banda Rock Latina en los EE.UU), e Ignacio Redard (compositor, letrista y vocalista). Asimismo, el manager Alejandro Sanfuentes (La Ley) asume una posición ‘behind the scenes’, representando a la banda.
La música de la banda mezcla las influencias de ambos integrantes, resultando en una combinación entre el pop oscuro de los ochentas, y las temáticas y corrientes musicales actuales.A nivel temático, The Plugin se pasea entre lo cotidiano y un constante esfuerzo por evitar las interpretaciones estandarizadas de las emociones humanas. De la misma manera, y replicando la formación del dúo, hay una constante dualidad en las posturas: un repudio al cliché, simultáneo con su incorporación y aceptación; una canción de amor que insiste en no reconocerse como tal.
Al no definirse en base a un territorio de procedencia, la banda decide no limitarse a un idioma, y si bien la nacionalidad estadounidense de Ignacio lleva a una primacía de la lengua inglesa en sus canciones, en el disco de The Plugin se pueden oír letras en español, francés, japonés, e incluso esperanto. El disco tiene 12 canciones, más un track oculto.
En 2008, grabaron su primer video, especialmente pensado para Internet, y con un presupuesto acotado a la estrategia inicial. El video completo puede ser visto en el Myspace de la banda. En tanto, su segundo video, dirigido por Pascal Krumm, acaba de grabarse - el 23 de octubre pasado- y estará próximamente rodando por los canales de música más conocidos.
Por primera vez, el 4 de diciembre Luis Alberto Spinetta dará un show propio junto a sus “Bandas Eternas” en el Estadio Vélez.
“Es una entrega total, es devolver el amor que la gente le puso a estas bandas y que perduró en el tiempo. Acá no hay réditos, el único rédito es la música y estoy decidido a disfrutar del show”, comentó el cantante en una conferencia de prensa en el cine 25 de mayo de Villa Urquiza.
“En enero cumplo 60 años y mi idea es poder ver este ciclo tan hermoso, donde el cariño que recibí es interminable. Será una noche irrepetible, es un sueño que me quiero dar”, destacó el flaco Spinetta.
Dará un recorrido por 40 años de historia musical y se subirá al escenario con los músicos con quienes compartió Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade y Los Socios del Desierto.
“Esta idea nace de Pablo Mangone, que es el productor del show. La música es tan eterna que es como la edad astronómica en relación a la edad de los años, pero ahora me siento firme para hacerlo, en 10 años no sé”, apuntó.
¿De dónde vienen los nombres de las mejores bandas de rock?
Acá te lo contamos y, en el caso de que tengas información para aportar, ingresá a nuestro blog y dejános tu comentario. En las próximas ediciones daremos a conocer algunas más!
AC/DC (1973) Sydney, Australia. ¿A qué sonaría la música que empezaban a crear los hermanos Young y el ya fallecido Bon Scott que hasta ellos mismos decidieron llamarse AC/DC? Pues a alto voltaje. Por eso utilizaron ese término. "AC/DC: Corriente Alterna/Corriente Continua".
AEROSMITH. Según Dr_J_Jones, un asiduo del chat del club oficial de fans de este grupo que nació en Boston en 1968, el nombre de la banda viene del mote que Joey (líder del grupo) usaba en el colegio. En el 78 hicieron 6 conciertos bajo el nombre de Dr. J. Jones Y The Interns para poder volver a tocar en algunos clubs. Según la misma fuente, el nombre no proviene del libro "Arrowsmith".
THE ANIMALS. Un okupa amigo de la banda se llamaba Animal Hog. Para Eric Burdon, líder de los Animals, "él resumía lo que queríamos representar con nuestra música. Total libertad, un poco de anarquía, mucho de salvaje y muchos buenos ratos".
Pasadas las 21, la banda liderada por Walter Giardino y el singular Adrián Barilari abrió el show con un explosivo despliegue de antorchas con fuego a lo largo del escenario, a la vieja usanza, calmando la sed de un público eufórico de distintas generaciones que convirtió el espectáculo en una memorable fiesta.
Entremezclado con los típicos cánticos al estilo cancha de los seguidores acérrimos de Rata Blanca (“el que no salta es un Stone”), el telón que tapaba el frente del escenario cayó sincronizadamente con la primera nota distorsionada que tocara Giardino de la canción “El reino olvidado” que abriría la noche.
Como parte de "El talismán tour 2009", la célebre banda argentina desplegó durante tres horas de show un tracklist con 23 canciones, recorriendo las diferentes etapas de sus 22 años de carrera.
La antesala fue para los temas del último disco, y, posteriormente, llegaron los clásicos que todos querían oír: Abrazando al rock and roll, Chico callejero, Guerrero del arco iris, No es nada fácil, Mujer amante.
Un Barilari que no dejó de agradecer la presencia de la gente, “nosotros no seriamos nada sin ustedes”, dedicándoles el tema “Volviendo a casa”; y un Giardino que provocaba al público cada vez que dejaba de “agitar”.
El espectáculo también tuvo lugar para los solos del tecladista Hugo Bistolfi y el baterista Fernando Scarcella, que se llevaron el respeto y la atención de los presentes.
Anunciando el final, el lead singer de la banda presentó La leyenda del hada y el mago, momento cargado de cansancio, emoción y nostalgia que enloqueció a un Luna que se mantuvo repleto desde el principio hasta el final.
“El talismán tour 2009” continuará su ruedo por Perú, el próximo 5 de diciembre en el Festival Mounstros del Rock.
-Nominación para los Grammy Latinos
La banda heavy nacida en 1987, tras el frustrado paso de Walter Giardino por V8, recibió nominaciones para la décima edición de los Grammy Latinos como “Mejor grupo de rock”, y también en la categoría “Mejor canción de rock”, por el tema El Reino Olvidado, compuesta por el propio Giardino.
La ceremonia de entrega de premios será el 5 de noviembre en Las Vegas.
-Nueva producción discográfica
“The Forgotten Kingdom” es el primer álbum de su carrera completamente cantado en inglés. Para el caso, la banda contó con la participación del escocés Doggie White, uno de los más talentosos y respetados cantantes de rock del Reino Unido.
El nuevo material fue grabado, mezclado y masterizado en los estudios de "La nave de Oseberg", con un arte de tapa con efecto 3D creado por Claudio Aboy, editado en tres formatos: deluxe (incluye 2 cds, la versión en inglés + la versión en castellano + y un packaging impactante que contiene la medalla de El Reino Olvidado); edición normal (incluye 2 cds, la versión en inglés + la versión en castellano); y edición en inglés.
Rock and roll, rocanrol, rock'n'roll o meramente rock es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense (rhythm and blues,hillbilly, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950.
El vocablo "rock" deriva del término rock and roll y hoy día conserva dos significados según la Real Academia Española: "un género musical característico y popularizado en los 50" (que se corresponde con la definición de rock and roll) y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll, (que sería la definición del género contemporáneo música rock, y que históricamente vino cumpliendo el término rock and roll). Sin embargo, independientemente en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música "rock and roll".
Por otro lado, aunque el Diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición reconoce el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo, en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés.
La UNESCO ha publicado "Música electrónica en cuerpo y alma", el resultado de una investigación científica que aborda un tema que tiene mucho que ver con La Rocka; ya que, si bien es un trabajo que aborda la temática de la música electrónica, lo hace desde un enfoque sobre los espacios culturales y la tecnología, es decir, es un análisis sobre la música y la identidad, sobre una forma de expresar la cultura que tienen hoy los jóvenes de extracciones étnicas, orientaciones sexuales y edades diversas “que bailan alegremente en la pista repleta disfrutando con los ingeniosos trucos acústicos del disc-jockey”. Los participantes de esta especie de ritual, caracterizado por un “sentimiento de comunión” que “se acentúa a medida que la música ensordecedora, combinada con efectos visuales” los atrapa, sostienen que en la pista de baile “cada cual es libre de pasarlo bien”. Sin embargo, este concepto de “libertad” tambalea cuando analizamos qué hay detrás de estos clubes donde tras los ritmos estrepitosos, disc-jockeys y bailarines tratan de eludir la ley y la voracidad de las transnacionales. En Body and Soul, un club ubicado en el corazón de Nueva York, disc-jockeys como Joe Claussel siguen firmemente decididos a mantenerse alejados de los gigantes mundiales del ocio, a mezclar y combinar todo tipo de estilos musicales y de públicos, y a considerar la “cultura dance” algo más que una buena fuente de ingresos. Sin embargo, en los últimos diez años la cultura dance “o clubbing”, basada en la música electrónica, se ha convertido en un mercado internacional multimillonario y para muchos de sus adeptos, la cultura dance constituye una escapatoria frente a la reglamentación de la vida moderna, un retorno a una “utopía preindustrial”. La música electrónica ha engendrado el “tecno”, el “house”, el “garage”. Y además una suerte de variantes con aproximaciones al gospel que atrapó a algunos seguidores del rock e incluso del punk. En Ibiza surgió el “acid house” pero no como producto que surgía exclusivamente de mezclas musicales sino que la combinación que motivaba estas fiestas era mucho más poderosa: es aquí donde aparece la MDMA (alias éxtasis o E). Esta droga que provocaba una sensación de empatía era el acompañamiento perfecto del sonido vibrante pronto llegó al Reino Unido, donde los disc-jockeys trataron de revivir en la lluviosa Inglaterra la atmósfera de Ibiza. Crearon sus propios clubes en cobertizos abandonados y bajo los puentes de ferrocarril y celebraron fiestas acid house no autorizadas donde multitudes de veintiañeros podían alcanzar el éxtasis y divertirse en grande. Estas manifestaciones fueron el prototipo de los futuros “raves”. Las fiestas atronaron durante casi un año antes de que los padres y la policía se alarmaran ante sus dimensiones “amorales” e ilícitas y las fiestas acid se volvieron clandestinas. Pero en el verano de 1989 volvieron a aparecer fuera de las áreas metropolitanas, en centros de recreo, casas de campo e incluso en el campo mismo. Las macrofiestas se multiplicaron y se estima que una de ellas, Sunrise, atrajo a 10.000 participantes. Cinco años después del nacimiento del rave, el gobierno británico aprobó diversas leyes para reprimir las manifestaciones de ese tipo. Pero la represión tuvo efectos contraproducentes: al hacer que los eventos se volvieran cada vez más clandestinos, se estimuló su politización y la filosofía DiY (Do it yourself que significa hazlo tú mismo) y los ravers DiY no sólo organizaron fiestas para bailar, sino también protestas musicales en torno a problemas ambientales y de justicia social. Al mismo tiempo, la legislación hizo que las muchedumbres volvieran a los clubes autorizados. A fines de los años noventa aparecieron megadiscotecas dotadas de un estricto control y una estrategia comercial, constituyendo negocios rentables donde los mejores disc-jockeys del momento actúan en un ambiente estrictamente reglamentado. Pese a este auge comercial, el sueño democratizador de una cultura dance sigue vivo. Hasta ahora el modelo rock predominaba en la industria del ocio. Este se basa en la existencia de grupos que firman contratos de larga duración con empresas de producción y distribución, lo que les permite grabar un álbum en un estudio comercial caro. La empresa se ocupa luego de la promoción del disco organizando conciertos en grandes salas. La música dance transformó radicalmente este modelo. En vez de firmar un contrato con un grupo y de promoverlo, las empresas de grabación y los clubes asumen la tarea mucho menos onerosa de contratar y representar a un solo DJ que trabaja con un equipo digital que se consigue a precios cada vez más competitivos. Con percusiones y sintetizadores, los magos de la tecnología imitan los instrumentos tradicionales. Gracias al sampling pueden grabar y manipular cualquier sonido, sumiendo a la legislación sobre la propiedad artística y los derechos de autor en una confusión de la que aún no ha podido recuperarse. Individuos creativos sin formación musical y con conocimientos elementales de electrónica pueden producir ahora música dance en sus computadoras personales con programas como Cubase. Con material digital es posible componer un “corte” (ya no se llama canción), producido y mezclado íntegramente por el DJ/productor. Muchos artistas quisieran mantenerse independientes y crear sus propios sellos. Sin embargo, si la grabación se convierte en un éxito, el artista necesitará una inversión importante para satisfacer la demanda. Por consiguiente, se verá obligado a tratar con grupos de distribución, independientes o grandes firmas, o a vender su composición directamente a una casa discográfica. De ese modo, incluso los DJ-productores independientes son recuperados por el mercado mundial del disco. En definitiva, el trabajo publicado por la UNESCO nos muestra que aunque la tecnología digital ha abierto nuevas posibilidades a la producción independiente, no todos tienen acceso a ella . Se concentra por muy amplio margen en Estados Unidos, Europa occidental y Japón; y, en Occidente, el tecno reproduce el modelo dominante donde la mayor parte de los disc-jockeys son varones. Cuando una mujer disc-jockey logra imponerse, en las revistas musicales se la lanza al mercado como una imagen curiosa más que como productora competente. La música electrónica, que sigue los meandros de la producción y la distribución internacionales, se está consolidando de São Paulo a Tel Aviv, abarcando un amplio espectro político y cultural. Sin embargo, su difusión no ha contribuido a equilibrar la distribución desigual del poder. Las metrópolis occidentales siguen dominando con las cinco mayores firmas productoras de discos, que controlan la distribución y acatan las distinciones tajantes de sexo y de clase. Por lo tanto, no podemos evitar preguntarnos: ¿acoge esta fiesta mundial a todos por igual?, ¿son todos realmente “libres de pasarlo bien”? Esperamos tu opinión en nuestro blog, te esperamos, como siempre…
Seguimos debatiendo sobre lo que hablamos en la edición anterior.
A simple vista se nota que, al menos en la Argentina, se triunfa más fácilmente en lo que a lo musical respecta, si tu género es… (pensás que voy a decir Rock&Roll o Pop??... ¡error!) me refería al género masculino. Al ser un hombre, atractivo, con onda, el público femenino será indispensable para darte tremendo empujón a la popularidad… que compran tus cd's, que votan tus canciones en los ranking, te siguen por la calle. Toda una movida impulsada, más por las hormonas que por las melodías. Ojo que no estoy desmereciendo a los muchachos músicos pero, basándome en hechos como por ejemplo los concursos de canto televisados, si en una nominación hay que decidir quien se queda entre una mujer talentosa contra un hombre talentoso, no ser í a raro encontrar un 80%-20% a favor del muchacho en cuestión, ¿no te parece?
Sabiendo que existen combinación del tipo: popularidad-talento masculino, popularidad-talento femenino, popularidad-sin talento masculino, popularidad-sin talento femenino, sin olvidarnos del combo anonimato-talento , la cantidad de popularidad sin talento masculino parece ser mayor que su opuesto en género.
Pero… pensándolo bien, necesito conocer tu opinión al respecto. Podés tirarme con tomates, enviarme bombones, estar de acuerdo o no…
Tan solo escribí lo que pensas en nuestro blog para seguir formando parte de nosotros. ¡Hasta la próxima!
